“10 películas para el verano”

El verano está a punto de terminar, y debido a la situación extraordinaria que como humanidad estamos viviendo gracias al COVID-19, el cine ha sido un gran refugio para muchos de nosotros, es por eso que, en esta ocasión, decidí escribir sobre 10 películas para poder distraernos un rato en la comodidad de nuestros hogares. Con esta breve selección, ustedes podrán decidir si echarse un maratón de varias horas, o bien, irlas dosificando a lo largo de algunos días. La lista que presento a continuación no tiene ningún criterio, es decir, no están pensadas a partir de su género, ni de su temática, ni de su nacionalidad, son sólo 10 obras que han venido a mi memoria y que considero que pueden resultarles interesantes o entretenidas, por lo que aquí encontrarán desde cintas de terror y comedias “palomeras” hasta obras que han sido consideradas como “de culto”.

1.- Apocalypse Now, Francis Ford Coppola, 1979: Empezamos fuerte la lista con una de las obras más espectaculares y acabadas de la historia de la cinematografía; quizá parezca exagerada mi afirmación, pero cualquiera que se siente a ver con seriedad Apocalypse Now se dará cuenta de la obra maestra que esta película sigue siendo hasta nuestros días. Es difícil no quedarse atónito frente a escenas tan icónicas como la de los helicópteros acompañados de La Cabalgata de las Valkirias de Wagner. No sólo la producción y la dirección son monstruosas, sino que las actuaciones de Martin Sheen, Robert Duvall y Marlon Brando resultan ser todo un regalo a la historia de la cinematografía. Apocalypse Now, me parece, toma de pretexto a la guerra para hablar de uno de los espacios más oscuros del alma humana: el horror. La película parte del horror de la guerra para reflexionar sobre cómo ese horror puede incrustarse en el alma de una persona, desconfigurándola por completo. Una vez que se ha vivido el verdadero horror, no hay retorno posible, y Apocalypse Now nos muestra esta experiencia desgarradora con inteligencia y profundidad. Algunas frases de esta cinta se han convertido en parte de la cultura popular, como la célebre “I love the smell of Napalm in the morning”. En lo personal, recomiendo ver la versión Redux, que es la de mayor duración; con sus casi 3 horas de duración (las cuales para mí pasaron como 5 minutos) es mi versión favorita, aunque muchas personas prefieren quedarse con el corte de hora y media. Ustedes elijan.

2.- Full Metal Jacket, Stanley Kubrick, 1987: Seguimos con otro peso pesado del cine del siglo XX, y aquí encontramos a Stanley Kubrick en una de sus últimas cintas: Cara de guerra, como es más conocida en Latinoamérica. Al igual que Apocalypse Now, Cara de guerra nos sumerge en ese inframundo surrealista que termina por ser el delirio bélico. Como en Naranja Mecánica o en Ojos Bien Cerrados, aquí también se deja ver la maestría de Kubrick en la dirección: desde la elección de la banda sonora (empezando con la melodía Country de Hello Vietnam), hasta la obsesión casi insana en los pequeños detalles. Con frases ya representativas de la cultura pop como “Me so horny, me love you long time”, Full Metal Jacket es una cinta que no le da tregua al espectador, pasando de lo cómico y lo absurdo a lo inesperadamente crudo y cruel; moviéndose entre la decisión sobre si matar a o no a una pequeña vietnamita de 13 años, a cantar con alegría y regocijo una canción sobre Mickey Mouse; quizá en esto radica el absurdo de la guerra, cosa que Cara de guerra estaría poniendo sobre la mesa, porque al final, y como dice uno de los personajes principales: “los muertos sólo saben una cosa: es mejor estar vivo”.

3.- Gegen die Wand, Fatih Akin, 2005: Siempre que tengo ganas de ver alguna cinta que termine por hacerme sentir profundamente triste y desconsolado, elijo alguna del director turco-alemán Fatih Akin. Contra la pared es una historia de amor poco convencional, que tiene lugar entre drogas, violencia, asesinato y mucho Post-Punk. Ante un intento fallido de suicidio, Cahit terminará en una clínica psiquiátrica en la que conocerá a Sibel, una joven bella y en apariencia alegre la que, sin embargo, está ahí por intentarse suicidar en repetidas ocasiones. Inesperadamente, Sibel le pedirá a Cahit que se case con ella; sus motivos, desconocidos hasta ahora por el espectador y por el propio Cahit irán apareciendo poco a poco. ¿Lograrán Sibel y Cahit permanecer juntos?

4.- Tropa de élite, José Padilha, 2008: Al líder del BOPE (Batalhão de Operações Policiais Especiais) el capitán Roberto Nascimento se le ha encargado una misión que por todos lados parece imposible: limpiar las favelas de Río de Janeiro ante la visita del papa Juan Pablo II a dicha ciudad. Nascimento busca rechazar la misión debido a que está a punto de convertirse en padre, y desea alejarse de una vez por todas de la violencia imparable y del círculo interminable de corrupción que su trabajo le ha significado durante toda su vida. Ante la negativa de sus superiores de que rechace la difícil operación, Nascimento comienza a buscar un sucesor para poderse retirar después de asegurar que la visita del papa no se vea manchada por ningún incidente relacionado con el mundo del narcotráfico que inunda a las favelas. En el proceso, Nascimento comenzará a experimentar un lento pero seguro descenso a los infiernos. En su camino, se encontrará con Matías, un joven policía y estudiante de Derecho lleno de ideales quien descubrirá que el mundo de la política es más difícil que leer y comprender Vigilar y castigar de Michel Foucault.

5.- Todo un parto, Todd Phillips, 2010: Del director de The Hangover – ¿Qué pasó ayer? en Latinoamérica –, llega Due Date. Con un casting de primer nivel conformado por Robert Downey Jr., Zach Galifianakis, Juliette Lewis y Jamie Foxx, la cinta nos narra de forma hilarante toda una serie de circunstancias inverosímiles derivadas de un malentendido en un aeropuerto. Peter Highman es obligado a abandonar un vuelo y se ve forzado a emprender un largo viaje en carretera junto a la persona por la que lo echaron del avión, Ethan. Sin dinero, sin licencia para conducir y sin la posibilidad de tomar un avión debido a que fue incluido en una lista negra para volar, Peter tendrá que aguantar todas las excentricidades de Ethan, ¿la razón? Su hijo está por nacer al otro lado del país. Esta es una clásica Road Movie, en la que toda la acción cómica tiene lugar a lo largo del viaje y se desprende de lo disparato de las situaciones. En lo personal, esta cinta hizo que Zach Galifianakis terminara por convertirse en uno de mis comediantes favoritos. Escenas como en la que suena Hey You! de Pink Floyd, cuando Ethan “interpreta” una escena de El Padrino, o el cameo final con una parodia de Two And A Half Men, siempre hacen que termine atacándome de la risa.

6.- Knocked Up, Judd Apatow, 2007: Esta es una clásica película de Judd Apatow: tenemos a Seth Rogen, a Jonah Hill, a su esposa Leslie Mann, a Paul Rudd, dura más de 120 minutos, y pretende combinar comedia que podríamos incluso catalogar de “absurda” con algunas reflexiones sobre la condición humana; en lo personal, creo que esta pieza lo logra bastante bien. La cinta no deja de ser entretenida e hilarante, sin dejar de entregarnos momentos de muchísima emotividad. La premisa es simple: Alison Scott (Katherin Heigl) sale a festejar una noche un ascenso en su trabajo, conoce a un joven agradable llamado Ben Stone (Seth Rogen) y después de unos tragos deciden pasar la noche juntos. Al siguiente día descubre que el tipo es un completo perdedor y que haberse acostado con él fue todo un error, por lo que se despiden para no verse nunca más, el único problema es que Alison se entera un par de meses después que está embarazada. A partir de ahí se desarrolla toda la cinta, en la que se tocarán temas como la amistad, el sexo, el compromiso, el trabajo, las relaciones de pareja y, por supuesto, la maternidad y la paternidad.

7.- The Green Inferno, Eli Roth, 2014: Del director de Hostal nos llega una obra llena de tripas, sangre, carne y diarrea. The Green Inferno es el homenaje de Roth a Holocausto Caníbalde Ruggero Deodato, la película más censurada de toda la historia del cine. En Caníbales – como fue traducida para Latinoamérica – nos encontramos con Justine, una estudiante universitaria que siente que debe involucrarse de manera más activa en los movimientos sociales de su tiempo, para ello, se inscribe en un grupo de activistas quienes en unas semanas tienen planeado viajar a la selva amazónica para proteger a una tribu indígena de la deforestación a manos de una empresa transnacional. En el camino, los jóvenes sufrirán un accidente que los dejará varados en medio de la selva, donde tendrán un encuentro con una de las tribus que habitan el lugar y en la que el ritual del canibalismo y de la mutilación genital son una de las bases del tejido social. Ya se imaginarán la manera en que, a partir de ahí, se comenzarán a desarrollar los sucesos.

8.- Tesis, Alejandro Amenábar, 1996: Ángela (interpretada por Ana Torrent) es una estudiante universitaria que se encuentra en el proceso de realización de su tesis, la cual tiene por tema la violencia en los medios audiovisuales. Como todo estudiante que debe presentar una tesis (¡díganmelo a mí!), la cosa va lenta y llena de dificultades, por lo que decide encontrarse con Chema (Fele Martínez), un compañero de la facultad que es conocido por su personalidad hostil y antisocial y por la enorme cantidad de cintas sobre mutilaciones, asesinatos, ejecuciones y sexo violento que él posee. En el proceso, el director de tesis de Ángela muere en extrañas circunstancias al observar una cinta, la cual, Ángela roba y se la lleva a su casa. A partir de ese momento, y a raíz del contenido de la cinta, Ángela y Chema se ven involucrados en lo que podría ser una red de cintas Snuff (películas supuestamente reales en las que se secuestra, se tortura y se mata a seres humanos con el fin de distribuir dichas grabaciones). La película es para estómagos fuertes, y todo aquel que la soporte será recompensado con una cinta que nos mantiene al borde del asiento de principio a fin. La dirección de Amenábar es extraordinaria, y el guion está lleno de “giros de tuerca”, volviendo a Tesis una experiencia cinematográfica de otro nivel.

9.- Samaritan Girl, Kim Ki-duk, 2004: Esta es una de mis cintas favoritas, en la que se narran los planes de dos jóvenes amigas, Jae-Young y Yeo-Jing por emprender un viaje a Europa. A ambas se les ocurre que la forma más fácil de obtener los recursos económicos para dicho plan es prostituirse. Desde ahí, las tragedias comienzan a acontecer. No puedo decir mucho más sobre esto, ya que esta es una de esas películas donde cualquier pequeño detalle puede arruinar la experiencia de verla. En general, es cruda y conmovedora a la vez, con una banda sonora triste y nostálgica, en la que vamos viendo a los personajes sumergirse en la desdicha y en el dolor, hasta llegar a un punto de “no-retorno”. Particularmente, el drama que vive el padre de Yeo-Jing me parece sinceramente desgarrador, amando profundamente a su hija, y viéndose orillado a tomar una decisión que ningún padre en el mundo quisiera tomar. La cinta de Kim Ki-duk nos habla sobre el amor y la amistad, pero también sobre el crimen, el odio y la venganza, combinando todo en un paisaje de ensueño que tiene lugar en las calles de Corea.

10.- Good Bye, Lenin!, Wolfbang Becker, 2003: Adiós a Lenin es una película que nos narra los últimos años de lo que fue la República Democrática Alemana, también conocida como la Alemania Oriental. Ahí nos encontramos con Christiane Kerner (Katrin Sass) una madre que ha dedicado toda su vida al cuidado de sus hijos y al apoyo incondicional y abnegado al Partido Socialista Unificado de Alemania. Su hijo Alexander (Daniel Brühl) conforme va creciendo, comienza a cuestionar los ideales de su madre, lo que origina una serie de discusiones y conflictos entre ambos. Llegado cierto momento de la película, Alexander deberá tomar toda una serie de decisiones para cuidar la salud física y mental de su madre, momento en que las diferencias ideológicas entre uno y otro serán más débiles que el amor que él le profesa a su progenitora. En el camino se encontrará con Lara (Chulpán Jamátova) con quien comenzará una relación romántica y que le abrirá toda una nueva panorámica, obligándolo a también cuestionarse todo el sentido de las acciones que está llevando a cabo. Con música compuesta por Yann Tiersen (Amelie), Adiós a Lenin es una obra divertida y conmovedora, que nos hace preguntarnos por el alcance de nuestras ideas, por la familia, por la política, la historia, y por qué es lo que pasa cuando todo nuestro sistema de creencias se derrumba de la noche a la mañana.

Ha habido muchas películas que no he incluido en la lista porque deseo hablar de ellas con mayor profundidad más adelante, ya sea aquí en el blog o con algún video en el canal de YouTube, por lo que les pido que si desean que profundice en algunas de las cintas que he puesto aquí ahora, me lo hagan saber. ¿Y ustedes, cuántas películas de esta lista ya conocían? ¿Cuántas tienen pensadas ver?

Humor y guerra nuclear

¿Qué pensarían si les dijera que una película de comedia estuvo a punto de ocasionar un conflicto diplomático de dimensiones globales, involucrando la activación de ojivas nucleares y, en consecuencia, el exterminio de miles de seres humanos? No, no estoy exagerando, eso es lo que a más de uno nos pareció que podía ocurrir con el estreno de The Interview, protagonizada por Seth Rogen (Superbad y Knocked Up) y James Franco (Spiderman y Pineapple Express) y producida por Evan Goldberg y el mismo Seth Rogen.

Antes de entrar en detalles me gustaría decir que, al igual que otra cinta producida por Rogen y Goldberg, This Is The End, The Interview, en opinión de un humilde servidor, se trata de una obra de arte de la comedia norteamericana de los últimos veinte años, lo que la vuelve incluso más irónica cuando se le agrega esa “pizca” de humor negro de saber que la cinta estuvo muy cerca de ocasionar lo que, probablemente, a mediano o largo plazo se hubiese convertido en la Tercera Guerra Mundial (no, les juro que no estoy exagerando).

En este punto más de uno de ustedes estará pensando: “¿de qué puede tratar una película que casi ocasiona un conflicto bélico de tales proporciones?”, la respuesta es muy fácil: la cinta muestra toda una conspiración dirigida por el gobierno estadounidense para asesinar al líder norcoreano Kim Jong-Un. ¿Quizá un poco de contexto histórico? ¡De acuerdo!

En el marco del fin de la Segunda Guerra Mundial, se habían ya configurado, en gran medida, los dos bloques políticos, económicos, culturales e ideológicos que estarían peleando entre sí por más de cuarenta años en la denominada Guerra Fría. El bloque capitalista estaba liderado por los Estados Unidos de Norteamérica, gobierno que para la restauración económica de las potencias europeas propone El Plan Marshall, lo que en buena parte ayudó a la consolidación de la OTAN, encabezada, de nueva cuenta, por Estados Unidos; por otro lado, la Unión Soviética que abanderaba al bloque comunista formuló el Pacto de Varsovia, el cual prometía ayuda militar a todos los países inscritos en él, siempre y cuando se entendiera que con la participación en dicho pacto se accedía de manera implícita a no aceptar ningún tipo de ayuda o colaboración ni de Estados Unidos ni de sus aliados; la Guerra Fría había comenzado.

Considerado por muchos como el primer conflicto oficial de la Guerra Fría, La Guerra de Corea, iniciada en 1950, enfrentó a ambas potencias, ya que el bloque capitalista apoyaba a Corea del Sur, mientras que el bloque comunista apoyaba a Corea del Norte, la cual para ese momento, y es pertinente mencionarlo, estaba dirigida por Kim Il-Sung, abuelo del presente líder norcoreano. Si bien se firmaron acuerdos de paz en 1953, hasta el día de hoy las tensiones entre las dos Coreas siguen estando presentes, hasta el punto en que la frontera de dichas naciones es la zona más militarizada a nivel mundial.

¿Cómo diablos se relaciona todo esto con una película protagonizada por el regordete actor de Zack And Miri Make A Porno y por el hijo del Duende Verde? Bueno, como ya dijimos, la película muestra de manera explícita el asesinato de Kim Jong-Un, y sobra decir que los desacuerdos entre Corea del Norte y los Estados Unidos siguen vigentes, al grado en que cada prueba con misiles nucleares por parte de Corea del Norte es celebrada como un acto de fiesta nacional, en la que se dice que cada vez se está más cerca de llegar al cometido deseado: lograr un armamento lo suficientemente fuerte como para acabar con los Estados Unidos de Norteamérica.

Por su parte, Estados Unidos tampoco ha visto nunca a Corea del Norte con buenos ojos, lo que se demuestra en la instalación de numerosas bases militares en Corea del Sur y en Japón. A todo esto añadan a Rusia y China, a la Unión Europea y al conflicto entre Israel y Palestina y: ¡voilà! Tenemos una Tercera Guerra Mundial.

¿Siguen pensando que todo esto suena exagerado? Sólo hace falta recordar el caso de Otto Warmbier, joven estadounidense de 21 años de edad que en marzo del año 2016 fue condenado por el gobierno de Corea del Norte a 15 años de trabajos forzados por robar un poster de propaganda perteneciente al hotel en el que se hospedaba, y quien, desafortunadamente, terminó perdiendo la vida.

Dicho todo lo anterior, quizá pueda comprenderse el por qué Kim Jong-Un calificó como “un acto terrorista” el estreno de The Interview en Estados Unidos, y mencionó que, si Estados Unidos se atrevía a estrenar esa película, esperaran otro 11 de septiembre (¡les juro que no es broma!). Por su parte, el gobierno del entonces presidente Barack Obama dijo que esa amenaza atentaba de manera directa contra la libre expresión y que de ninguna manera se doblegarían ante ningún tipo de ultimato por parte del gobierno de Corea del Norte, por lo que dicha nación refrendó que en cada cine norteamericano donde se estrenara The Interview, habría una bomba.

La respuesta fue la siguiente: la cancelación del estreno en la mayoría de los cines de Estados Unidos, y con ello, una de las películas con más descargas, legales e ilegales, de la historia de Internet.

No voy a hablar nada sobre la película como tal, prefiero platicar con ustedes por medio de los comentarios sobre qué les pareció en caso de haberla visto ya, o para los que ahora tienen planeado buscarla, me gustaría poder saber qué les pareció una vez que la hayan analizado. Un buen combo que recomiendo es ver The Interview y, posteriormente, el excelente documental titulado The Propaganda Game, filme que ahonda en ese mundo hermético y misterioso llamado Corea del Norte. Así que, sin más por el momento, me despido esperando sus comentarios.

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Una película para celebrar

La película de la que les hablaré hoy se llama Holidate o en español Amor de Calendario, producida por Netflix, estrenada en octubre 2020. Me la encontré haciendo un recorrido por la plataforma, buscando algo distinto que ver, porque deben saber que me he dedicado a ver cierto tipo de película y de géneros, y he dejado a un lado la comedia. Aunque Holidate es una comedia romántica, contiene ciertos elementos muy diferentes a las películas usuales que sólo se centran en la consolidación de la relación de pareja. Esta película protagonizada por Emma Roberts y Lukey Bracey, se enfoca en lo que dos amigos viven en su soltería, acordando reunirse en ciertas fiestas, pero sin involucrarse en el terreno afectivo. Parece que no hay atracción física, y me gusta la propuesta que comparten sobre la complicidad en las parejas, aquella que indica que antes que tener una relación, se puede también ser un amigo, que no sólo acompaña, sino que impulsa y sostiene en los momentos más inoportunos. Ambos dejan ver bien sus diferentes problemas amorosos, muestran lo divertido que puede resultar tener varias citas, estar sólo en las fiestas importantes como Navidad, y lo que la familia siempre espera que se haga, es decir, que sean una mejor versión de sí mismos para que eventualmente terminen casados; lo gracioso es cómo en la película retratan  la  presión social que ejercen los familiares sobre las personas involucradas, ya que van haciendo que ambos odien la convivencia porque las situaciones que tienen lugar en las celebraciones siempre terminan volviéndose francamente incómodas.

Holidate no es una propuesta revolucionaria, pero sí es muy divertida; muestra a los personajes en una naturalidad con la que mucha gente podría sentirse identificada, y es cómico cómo interpretan a esta desubicada pareja. Me parece que las actuaciones son muy sinceras y no están forzadas: por un lado, Emma Roberts en su faceta cómica sí logra que simpaticemos todo el tiempo con su personaje; por su parte, Bracey es divertidísimo y resulta encantador.

Sin duda, es una película que recomendaría ver una tarde de domingo comiendo palomitas y muchos chocolates, un filme que ayuda a relajarse y que logra ser chistoso y sincero al mismo tiempo. Creo que es una película bastante entretenida, aunque nos ofrece los mismos finales de las películas románticas, el desarrollo es único gracias a las actuaciones y al guion. Holidate se burla de una serie de situaciones sociales y de lo que mucha gente vive en épocas de fiesta, incluyendo los protocolos a seguir, muchas veces gastados y ridículos que hay que seguir en más de una ocasión.  

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“F is for Family”: ¿un retrato “normal” de la familia norteamericana?

Los que hayan estado siguiendo este, su humilde blog, recordarán que hace unas cuantas semanas escribí sobre BoJack Horseman, serie animada original de Netflix que ha sabido combinar con maestría la comedia, la tragedia, la sátira política y otros elementos de crítica social. Ahora vengo a platicarles sobre otra serie que, al igual que BoJack, maneja todos estos tópicos y pertenece a la misma plataforma de transmisión por streaming. F Is For Family relata la vida de Frank Murphy, veterano de la Guerra de Corea que, después de un embarazo no planeado, se ve obligado a integrarse a la vida típica de padre de familia norteamericano de los suburbios. Desde la divertida introducción acompañada del tema Come And Get Your Love a cargo de Redbone, nos sumergimos en la tragicomedia de la biografía de Frank, con la que más de uno podríamos identificarnos, ya que se trata de la entrada muchas veces forzada a la vida adulta.

La serie está ubicada en los años 70’s, la difícil época en la que el American Way Of Life comenzaba a mostrar algunas de sus más serias grietas e imperfecciones, las cuales explotarían de manera definitiva durante el gobierno de Ronald Reagan, unos cuantos años después, momento en el que las nuevas políticas económicas implementadas por ese gobierno terminarían de una vez por todas con la comodidad que la clase media norteamericana había tenido desde la posguerra.

Bajo la producción de Vince Vaughn, y con actores de alto renombre como Justin Long en el papel de Kevin, el hijo mayor de la familia Murphy, F Is For Family es una serie que, más allá de las risas que puede provocar (que sí las provoca con mucha frecuencia) pone sobre la mesa una serie de discusiones, tales como el abuso de ciertas sustancias o la sexualidad infantil.

Frank Murphy es un personaje difícil con el que, a pesar de su difícil carácter y su iracunda personalidad, uno no puede dejar de empatizar con él. La serie muestra a Frank como alguien a quien las circunstancias lo han empujado hasta el límite de sus capacidades, y quien, como es típico de la clase media, los grandes placeres de su vida han quedado reducidos a ser el anfitrión de una noche de box o a comprar una televisión a color.

Por su parte, los hijos Murphy, Kevin, Maureen y Bill, son parte de un círculo familiar viciado y deben de soportar el maltrato de su padre, el cual, sin lugar a dudas los ama, pero no puede evitar ser un verdadero desgraciado con ellos en ciertos momentos, lo que se demuestra en la recurrencia de frases como These fucking kids y These animals, refiriéndose a ellos. La palabra clave es “familia”, y el show nos muestra cómo es que Frank intenta ser un padre ejemplar, sin embargo, no tiene las herramientas necesarias para poder hacerlo, ya que su propio padre no lo fue para él, por lo que se repiten ciertos patrones con Kevin, y en consecuencia presenciamos una relación conflictiva con pocas salidas a la vista. Aun así, la serie no deja de enternecer al mostrar un retrato real de una familia, cosa que se demuestra en que, al final del día y a pesar de todos los contratiempos, los Murphy no dejan de apoyarse y amarse de manera incondicional los unos a los otros.

F Is For Family no deja de llamar la atención del espectador debido al crudo reflejo de, como había dicho antes, una sociedad norteamericana en plena decadencia, mostrando como una ilusión el sueño americano que, tanto como norteamericanos y extranjeros han buscado con el pasar de las décadas, y que una serie como esta nos muestra que ese sueño no existe más que para unos cuantos.

Con su cuarta temporada ya disponible en Netflix, F Is For Family es, al igual que BoJack Horseman, un ejercicio serio de reflexión sobre algunos aspectos de una sociedad llena de patologías disfrazado de una excelente comedia animada.

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“Pictures of you”

Hace un par de días decidí que era hora de organizar todo mi archivo fotográfico, tarea que llevo años posponiendo por las razones que ahora les contaré. Para mí, ver mi vida en aquellos fragmentos de realidad que se llaman “fotografías”, más allá de contentarme, se convierten casi en una automática declaración sobre cómo parece … Leer Más “Pictures of you”

Por qué hay que ver BoJack Horseman

Después de haber terminado Breaking Bad estaba buscando una serie que pudiera estar al nivel del éxito protagonizado por Bryan Cranston. Por esa misma época me enteré del proyecto en el que participaba Aaron Paul, actor que interpretó a Jesse Pinkman en, precisamente, Breaking Bad. La serie iba sobre un caballo llamado BoJack Horseman, y según pude enterarme, se trataba de dibujos animados dentro del género de la comedia. Después de haber visto el primer capítulo quedé un tanto desanimado, ya que me pareció que no se trataba de nada extraordinario, y dejé de verla de manera inmediata. Pasó aproximadamente 1 año, y en una noche de aburrimiento, mi hermano y yo decidimos que podíamos ver BoJack Horseman; le di otra oportunidad a la serie, y en menos de una semana ya habíamos terminado la primera temporada completa, sabiendo que nos encontrábamos ante una verdadera joya del catálogo de Netflix.

Lo primero que hizo BoJack Horseman fue “matarme de la risa”. Se trata de un humor bastante peculiar y que es difícil de digerir, aun así, en cada capítulo no podía dejar de soltar una carcajada tras otra, sin embargo, conforme fue avanzando la serie, algunos otros aspectos me dejaron ver que no estaba ante una comedia común y corriente. Cada uno de los personajes se fueron volviendo profundos y complicados, y los tópicos a tratar fueron tornándose más oscuros y reflexivos. Para el final de esa primera temporada, entendí que BoJack Horseman era una serie que tenía que ver con todo, menos con una comedia de simple entretenimiento.

BoJack Horseman es una serie que atrapa desde su estética, en la que nos adentramos en un mundo extraño donde animales antropomóficos y los seres humanos conviven en la cotidianidad. Pero, a todo esto, ¿de qué va BoJack Horseman? El protagonista es un caballo de 50 años que, en los 90’s tuvo un gran éxito en una sitcom – o “comedia de situación” por su traducción al español, como Papá soltero o Married…With Children, por mencionar sólo dos ejemplos–. Pasados ya muchos años de ese éxito frívolo en la pantalla chica, BoJack es un personaje que no tiene nada por qué vivir, y que únicamente soporta el día a día aferrándose a su propio pasado; es la sombra de un recuerdo la que se traduce en la única garantía de su propio quehacer en la vida. Las cosas se complican cuando, a petición de una editorial en quiebra, BoJack debe entregar un libro autobiográfico, y a partir de ahí se desarrolla la serie.

Bojack Horseman, para decirlo de una vez por todas, es una fuerte declaración sobre los tiempos en que vivimos. Temas como el matrimonio, el divorcio, la enfermedad, la muerte, el maltrato infantil, la depresión, el suicidio, el aborto, la familia, el abuso de sustancias, las relaciones de pareja, el mundo hipócrita y vacío de las celebridades, el egoísmo inherente a cada individuo en un mundo donde “triunfar” parece ser lo más importante y el sentido de la vida en general, entre muchos otros asuntos, son manejados de una forma sutil y profunda en esta serie.

BoJack, en particular, es un personaje tan complicado y humano (a pesar de ser un caballo) que nos obliga a voltear a ver ese lado oscuro de la existencia. Él es un megalómano excéntrico y disfuncional, con un serio desequilibrio emocional que es incapaz de mostrar empatía para con cualquiera de las personas (y animales, en este caso) que lo rodean. A sus 50 años de vida, BoJack no le encuentra sentido a nada de lo que le acontece. El actor Will Arnett, encargado de darle vida a BoJack incluso tuvo que asistir a terapia psicológica al encontrarse tan metido en el difícil papel. No sólo él, sino que todos los personajes de la serie tienen vidas difíciles que apenas pueden sostener. Como decía Kierkegaard, todos sufren ya sea por “falta de vida”, o por “exceso de vida”; aun los personajes que parecen, en principio, más frívolos y despreocupados, no dejan de tener que lidiar con todos los asuntos que les acontecen.

Podría seguir escribiendo cuartillas y cuartillas sobre BoJack Horseman, pero con el ánimo de resumir, aquí enlisto algunos momentos memorables sobre la serie:

1.- El capítulo #11 de la primera temporada llamado “Downer ending” nos transporta a un mundo similar al de Miedo y asco en Las Vegas. Al entrar en un viaje lleno de drogas, BoJack debe enfrentar a varios de los demonios que lleva por dentro. Visual y emocionalmente, este episodio resulta ser un shock para el espectador.

2.- El episodio #4 de la tercera temporada, a mi parecer, se encuentra a la altura de cualquier cortometraje animado que haya sido nominado para un Óscar. En él, podemos ver una de las partes más tiernas y humanas de BoJack, al encontrarse con la figura de una pequeña niña, la que le recuerda la vida amorosa y paternal que nunca tuvo y que dejó ir por un montón de otras cosas. El trabajo de edición y la producción sonora es simplemente impecable en este capítulo.

3.- Existe un momento de la serie donde BoJack toca fondo, y el diálogo donde le pide a Diane, amiga y escritora, que le diga que debajo de todo lo autodestructivo y nocivo que él resulta ser existe bondad en su persona, es sencillamente desgarrador.

4.- He cuidado mucho no incluir ningún spoiler, por lo que sólo diré que, la frase mencionada por el personaje de Sarah-Lynn, “I wanna be an architect” en el capítulo #11 de la tercera temporada, es una de las más tristes que he presenciado en una serie de televisión.

La serie actualmente ha llegado a su fin, por lo que, si no la has visto y deseas empezar un largo maratón de una de las series más polémicas, aclamadas y galardonadas de nuestros últimos tiempos, puedes hacerlo sin ningún problema.

¿Y ustedes que ya vieron BoJack Horseman, qué opinan? ¿Y ustedes que no la han visto, qué diablos esperan para hacerlo?

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Marisela Escobedo: un asesinato de Estado

Las tres muertes de Marisela Escobedo, es un documental de la plataforma Netflix, estrenado el 14 de octubre de 2020, dirigido por Carlos Pérez Osorio. El documental es realizado en Ciudad Juárez, Chihuahua y una parte en Ciudad de México. Desde 1990 se incrementó el asesinato de mujeres en Ciudad Juárez, no se sabía qué pasaba con ellas, sólo aparecían tiradas, desmembradas y mutiladas. A partir de allí se creó una especie de mitología sobre las que serían conocidas, lamentablemente incluso a nivel internacional, como las muertas de Juárez. Se especulaba entre toda la población lo que sucedía con ellas, desde teorías que tenían relación con el crimen organizado, hasta la realización de videos de snuff, lo que significaba grabar torturas y asesinatos para su posterior comercialización. También se hablaba de que eran los obreros de la misma ciudad los que cometían los asesinatos para tener acceso al trabajo que ellas realizaban, ya que Ciudad Juárez es un lugar con un gran número de maquiladoras debido a la cercanía con la frontera, las cuales contrataban, en su mayoría, a mujeres. La enorme mayoría de los casos aún están sin resolverse.

Sobre el documental, la historia comienza con Rubí Frayre, la hija menor de Marisela Escobedo, la cual, un día desaparece. Posteriormente, Marisela sabrá que su hija fue asesinada, incluso conociendo al autor de tan terrible acto. Se trataba del esposo de Rubí, el padre de sus hijos, a quien toda una familia le depositó confianza. La propia Marisela decía que ella nunca estuvo de acuerdo del todo con la relación, pero decidió aceptarla, lo que, sin saberlo, la volvería protagonista de esta historia, porque la vida de su hija fue arrebatada y Marisela emprendería todo un movimiento social para buscar justicia.

En el documental podemos ver cómo todo el sistema de justicia está corrupto: las leyes no se aplican de manera correcta, el Estado no protege a sus ciudadanos, se liberan a los asesinos de manera impune, entre un sinfín de otros absurdos de nuestro sistema judicial. Marisela es asesinada también como Rubí, las dos pudieron ser protegidas, y ambas tenían toda una vida por delante. Marisela era una persona que proyectaba fuerza, lucha y coraje, y todo ello te contagia como espectador de esa sed de justicia, la cual, desgraciadamente, nunca llegó.

Ma parece importante la presente recomendación, porque da muestra del gravísimo problema de violencia contra las mujeres en este país, al mismo tiempo, de que pone sobre la mesa otro de los temas candentes en nuestra vida política desde hace ya muchísimos decenios, a saber, la violencia de Estado, ante la cual, mujeres, hombres, niños y niñas en este país, estamos expuestos.

El documental hace un recorrido de cómo es que el movimiento que inició con Marisela Escobedo se ha convertido en una lucha que sigue; muchas madres y padres aun buscan a sus hijas e hijos, hermanas y hermanos, sobrinas y sobrinos, todos ellos, víctimas de la violencia.

Marisela es asesinada frente al palacio de gobierno. Aun con cámaras de vigilancia, increíblemente, nadie pudo hacer nada, nadie la escucho, nadie supo qué pasó, pero ahora, a través del documental, puede tener una especie de justicia: sabemos su nombre, sabemos que existió y que fue una madre que luchó hasta el último día de su vida persiguiendo justicia para su hija. Así como estos, hay muchos casos de violencia y de feminicido que no son conocidos. El documental permite tener acceso a una historia entre muchas de las que desconocemos, y trae un mensaje importante que tiene que ver el problema de las violencias – de género y de Estado – que nos atraviesan todos los días.

La historia es terrible; yo en lo personal no puedo imaginar todo el dolor que atravesaron en esa familia, pero sin duda, el documental sorprende de una manera tan desgarradora que te mueve la vida. No es posible seguir permitiendo tanto abuso, muchas cosas tienen y deben cambiar. Me parece que Marisela es el claro ejemplo para no quedarnos callados ante la injusticia, que, si es necesario salir a luchar a la calle para que nuestra voz sea escuchada, hay que hacerlo. La vida no puede quedar sólo en reflexiones, es necesarios movernos.

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Escrito de un joven indecente leyendo a un viejo indecente

En mis años de preparatoria tenía un compañero que siempre me hablaba de Charles Bukowski, aunque no lo hacía a manera de recomendación, por el contrario, él sostenía que se trataba de un borracho que no sabía escribir y que siempre trataba los mismos temas de manera monótona; años después, un profesor de filosofía me … Leer Más Escrito de un joven indecente leyendo a un viejo indecente

Elvis nunca se equivoca, o el libro que me salvó la vida

Existen libros que por el momento de la vida que estamos viviendo definitivamente nos dejan una marca; en esta ocasión quiero hablarles de un texto que marcó la época más difícil por la que he tenido que atravesar. La semana en que murió mi hermano fue la más complicada de toda mi vida. Faltaba algo: … Leer Más Elvis nunca se equivoca, o el libro que me salvó la vida

Humor y guerra nuclear

¿Qué pensarían si les dijera que una película de comedia estuvo a punto de ocasionar un conflicto diplomático de dimensiones globales, involucrando la activación de ojivas nucleares y, en consecuencia, el exterminio de miles de seres humanos? No, no estoy exagerando, eso es lo que a más de uno nos pareció que podía ocurrir con … Leer Más Humor y guerra nuclear

Una serie para gente “normal”.

Normal People es una serie irlandesa producida por Starzplay en colaboración con la BBC, estrenada en abril del 2020. Basada en un libro escrito por Sally Rooney. La serie intenta contar la historia de dos personas que siempre se cruzan, pero nunca se encuentran, no del todo. La serie fue bien adaptada, desde mi parecer, ya que también tuve la oportunidad de leer el libro.

Es ambientada en Dublín y Carricklea, lo que te permite conocer un poco la cultura irlandesa, enseñando hermosos lugares como el Collage Trinity, que es donde se centra la mitad de la historia; te muestra la vida nocturna en los pubs, su gusto por beber cerveza y paisajes espectaculares.

Es una serie que yo invitaría a ver si les gustan las series románticas, ya que, como premisa, se trata de la historia de dos adolescentes, que son completamente opuestos tanto en posición económica como en personalidad, pero al final son sólo jóvenes experimentando. Me parece que más allá de poner en duda cómo deberían de ser las relaciones, Normal People ofrece una discusión de cómo es una transición hacia la adultez en nuestra actualidad.

Marianne (Daisy Edgar-Jones) y Connell (Paul Mescal), los personajes principales, se enfrentan con cuestionamientos sobre quiénes quieren ser, cómo quieren vivir, qué ropa deben de usar, qué clase de amigos deberían tener, entre muchas otras interrogantes, que, me parece, son situaciones con las que todos hemos lidiado. Poder ver estos conflictos en ellos, permite espejearnos, saber que dentro de todo lo que vivimos hay más gente experimentando situaciones muy similares, aunque nos sintamos tan “distintos” por momentos.

El nombre de la serie es un tanto irónico porque, pese a que habla de gente normal, lo que deja ver es no existe algo así como “la normalidad”. En un mundo lleno de exigencias, de extrañezas sobre los otros, donde impera el deseo de estar bien todo el tiempo, Normal People no sólo es una serie romántica, sino también un reflejo de lo que dos personas que se aman harían por el otro: ¿Qué estarías dispuesto a dejar por otra persona? ¿Podrías alejarte de tu familia? No sólo nos encontramos con estas problemáticas, sino que la manera de trasmitir el mensaje es bellísimo, claro y simple, y ahí es donde logra su cometido, es decir, hacernos ver lo bello de la relación entre ambos personajes y lo complejo que puede llegar a ser relacionarse con otro ser humano; muestra de aquello es ver los caminos que van tomando Marianne y Connell. Es tan duro ver cómo intentan comunicarse, y cómo los prejuicios sobre los propios sentimientos impiden que puedan ser sinceros; todos los malentendidos hacen que se separen, y considero que la serie logra tocar muchos temas de actualidad: depresión, ansiedad, embriaguez, y la soledad que se experimenta en un mundo tan lleno de gente.

Normal People es más que una serie de amor, es el encuentro de dos personas que se entrelazan en el sexo, las pláticas, los gustos, la lectura ¿No es así cómo muchos quedan enganchados a una esencia? Normal People es la serie que deja que pensemos esa otra cara del amor romántico, en donde las rarezas, los desencuentros y los malestares son lo “normal”, entre dos seres humanos. ¡Los invito a verla!

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“F is for Family”: ¿un retrato “normal” de la familia norteamericana?

Los que hayan estado siguiendo este, su humilde blog, recordarán que hace unas cuantas semanas escribí sobre BoJack Horseman, serie animada original de Netflix que ha sabido combinar con maestría la comedia, la tragedia, la sátira política y otros elementos de crítica social. Ahora vengo a platicarles sobre otra serie que, al igual que BoJack, … Leer Más “F is for Family”: ¿un retrato “normal” de la familia norteamericana?

Por qué hay que ver BoJack Horseman

Después de haber terminado Breaking Bad estaba buscando una serie que pudiera estar al nivel del éxito protagonizado por Bryan Cranston. Por esa misma época me enteré del proyecto en el que participaba Aaron Paul, actor que interpretó a Jesse Pinkman en, precisamente, Breaking Bad. La serie iba sobre un caballo llamado BoJack Horseman, y … Leer Más Por qué hay que ver BoJack Horseman

Annie Hall de Woody Allen: corazones, cine y ambivalencias neuróticas.

Annie Hall es la gran obra maestra de Woody Allen, filmada en 1979 y protagonizada por Diane Keaton y el mismo director.

Todo comienza con un viejo chiste que Alvy Singer – protagonista de la cinta – cuenta y que es de Groucho Marx, pero en realidad se lo atribuye a Sigmund Freud, en donde dice que, no quisiera pertenecer a ningún club que lo tenga a él como miembro. Ese chiste relata muy bien la relación que Alvy tiene con las mujeres, entre ellas con Annie Hall. La película muestra bien la neurosis tanto de Annie como de Alvy, siempre sintiéndose incompletos estando juntos, queriendo que el otro sea mejor, que aprenda más cosas o que sea de tal o cual modo. Esas pequeñas cosas que son tan cotidianas, y que incluso a veces pasamos desapercibidas, reflejan muy bien la convivencia, la tolerancia de las manías del otro, y que al final, son ellas las que nos divertían, nos parecían desconocidas o que nos incitaron a desplazarnos hacia otro lugar.

Singer tenía una preferencia por las mujeres cultas e inteligentes, que tuvieran siempre algo que aportar; Annie en ese sentido era muy diferente: ella era autentica, siempre buscando su propio lugar. Alvy fue pieza clave para todo el recorrido de crecimiento de este gran personaje, la alentaba a estudiar, leer grandes autores, y a desarrollar un espíritu crítico, y en última instancia: ¿qué no son así las relaciones humanas? Dirá Woody Allen, que son completamente locas e irracionales, pero eso es lo que hace que nos gusten tanto.

Annie era muy diferente al tipo de mujer con las que él salía, y después de un tiempo descubrió que no quería estar con ella; buen ejemplo de cómo funciona el deseo del neurótico, que nunca queda conforme con lo que se tiene, y cuando cree tenerlo se le escapa de las manos. En palabras de Gustavo Cerati “lo que seduce no suele estar donde se piensa”. Eso se logra ver bien en Annie Hall, cuando añoramos todo lo que ya no tenemos, o todo lo que pudo ser, y observamos que nunca se está del todo bien con el presente, pero al final, con la distancia de por medio, se puede valorar aquello que tuvimos, aparte de retratar la cotidianidad de dos personajes, que se aman y se disgustan con el día a día. Esta pareja conflictiva deja ver claramente la idea de inconformidad del uno con el otro, y esa es la pieza clave para el movimiento de los dos personajes, Alvy como escritor y Annie como cantante.

De igual manera me hace pensar que es una gran película para ver en un día lluvioso y triste, o cuando no se tengan esperanzas de nada, porque es una invitación para poder ver lo perfectamente insaciable que somos, la extrañeza que habita en cada uno, como Alvy y Annie Hall que resultan extraños para ellos mismos, la diferencia es la que permite hacer lazo entre ellos, y que es lo mismo que los separa. Al final, aunque no puedan llegar a un entendimiento, todo ha valido la pena, porque la vida pasa demasiado pronto para darnos cuenta de lo importante. Annie Hall muestra detalladamente la transitoriedad de las personas y de las relaciones humanas: todo acaba, y justo por eso es que es maravilloso, así como fue para Alvy conocer a Annie.

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10 canciones de Led Zeppelin que tienes que escuchar

Led Zeppelin fue una de esas bandas que marcó mi adolescencia. Yo tenía – si mal no recuerdo – quince años cuando llegué a mi casa con el disco Remasters que había comprado por curiosidad; eran ya muchas las opiniones de varios amigos de “la prepa”, los cuales insistían que debía escuchar a esa banda. … Leer Más 10 canciones de Led Zeppelin que tienes que escuchar

“Interstella 5555: música (y cine) ligada a tus recuerdos”

Todos los que nacimos a finales de los 80’s o principios de los 90’s recordaremos haber visto en MTV (sí, cuando MTV pasaba música) por ahí del año 2001, un video musical con un tema bastante pegajoso y visualmente muy atractivo. A pesar de que el dúo francés de música electrónica, Daft Punk, ya había tenido relativo éxito con temas como Around The World del disco Homework, fue con el tema de One More Time con el que se catapultaron a la fama mundial.

Sí, efectivamente, el video de One More Time es del que les estoy hablando – una vez más, todos los que nacieron en las fechas anteriormente mencionadas ya sabían de qué video les estaba hablando –. Ver aquel video con esos seres azules, que muy probablemente a todos nos parecían una versión más rock y psicodélica de Los Pitufos, fue una de las cosas que puso a bailar al mundo entero, y que aún hoy, en varios de los lugares de la vida nocturna de la Cuidad de México y de muchos otros lados, lo sigue haciendo.

Pasados unos meses se estrenó el segundo sencillo del álbum: Aerodynamic, y cuyo clip continuaba con la historia presentada en One More Time. Posteriormente vino Digital Love (hasta la fecha una de mis piezas favoritas) y después fue el turno de Harder, Better, Stronger, Faster. Para mi infortunio, y a la tierna edad de once años, con el último sencillo se estrenaba el último video musical, y la historia quedó truncada para más de uno, incluyéndome a mí…o al menos eso creía.

Hace un par de semanas descubrí que aquellos videos musicales de antaño formaban parte de una película: Interstella 5555. Y sí, como era de esperarse, el filme no es otra cosa sino la ambientación cinematográfica del Discovery, disco del que se desprenden todos los sencillos mencionados más arriba. Así que, después de todo, pude saber cuál fue el desenlace de la historia que muchos años atrás me había cautivado.

Interstella 5555 quizá no se trate de la “quinta joya de la corona” en lo relativo al séptimo arte, pero para todos aquellos que disfrutan de la música de Daft Punk, el filme resulta imprescindible, y para aquellos que no estén familiarizados con la música del dueto francés esta obra puede ser una excelente introducción, ya que, y lo digo a título personal, Discovery es el mejor disco de Daft Punk (superando por mucho al sobrevalorado Random Access Memories).

La película divierte y conmueve, además de que hará que en más de una ocasión nos den ganas de bailar. Con una animación que no deja duda de la impronta nipona que contiene, Interstella 5555 puede ser una buena oportunidad para escuchar (y observar) un documento que nos acerca al principio del presente milenio.

 ¿Cuántos de ustedes conocían este filme? Como siempre me despido esperando ver sus comentarios.

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Annie Hall de Woody Allen: corazones, cine y ambivalencias neuróticas.

Annie Hall es la gran obra maestra de Woody Allen, filmada en 1979 y protagonizada por Diane Keaton y el mismo director. Todo comienza con un viejo chiste que Alvy Singer – protagonista de la cinta – cuenta y que es de Groucho Marx, pero en realidad se lo atribuye a Sigmund Freud, en donde … Leer Más Annie Hall de Woody Allen: corazones, cine y ambivalencias neuróticas.

“Cinco películas de terror que probablemente nunca has visto”

Escribir el presente texto me fue difícil porque no quería caer en lo mismo que hacen un montón de páginas de internet, blogs, YouTubers, etc., sitios en los que la mayoría de las veces van a mencionar cintas como El Conjuro, La noche del demonio, Saw o El Exorcista, razón por la que, a continuación, menciono cinco películas de terror que muy probablemente, debido a que no se tratan de filmes comerciales – en el sentido en el que estamos acostumbrados a utilizar el término – nunca hayas visto.

1.- Reencarnación: película japonesa dirigida por Takashi Shimizu en el año 2005. La cinta nos sumerge en una historia terrorífica en la cual aparecen una serie de temas que van desde los viajes astrales hasta el fenómeno conocido como dejà vu. El filme resulta ser particularmente interesante, ya que, al tratarse de una producción nipona, las categorías a las que Hollywood nos tiene acostumbrados cuando se trata de estos temas desaparecen; por el contrario, nos encontramos ante una película de terror narrada desde el punto de vista de las religiones y las sabidurías orientales. Una cinta que no te dejará dormir por varias noches, con una estética realmente aterradora e inquietante, y con uno de los mejores “giros de tuerca” que he tenido oportunidad de ver.

2.- Dark Water: sí, sé que muchos han visto la versión norteamericana de esta cinta, conocida comúnmente como Agua turbia, sin embargo, la versión japonesa dirigida por Hideo Nakata en el año 2002 merece una mención aparte. La versión “gringa” de la película es buena, pero su homónima japonesa realmente me hizo sentirme inquieto y sofocado durante varias noches. Ahora que vivo en una unidad habitacional muy parecida a la del filme japonés que les comento, créanme que la decisión de instalar un foco en el pasillo del edificio en el piso que corresponde a mi departamento estuvo influida por varias de las imágenes de Dark Water.

3.- Pelts: una pieza poco conocida del archi-conocido director italiano Dario Argento. Creador del género giallo y uno de los más grandes exponentes del cine de terror, esta obra de Argento posee una estética que, sin lugar a dudas, no dejará a nadie indiferente – particularmente la escena que hace honor al título del filme –. Como si fuera poco, la película en cuestión está protagonizada por Meat Loaf: así es, sus fans no sólo podemos disfrutar de él a través de sus discos o en algunas de sus otras actuaciones, ya sea como Eddie en El show de terror de Rocky y como el papá de Jack Black en The Pick Of Destiny, sino que aquí también aparece haciendo gala de sus dotes actorales.

4.- Dolls: esta es un poco más conocida, ya que se trata de una película de culto, a pesar de estar inserta en la clasificación del cine de serie B. Dirigida por Stuart Gordon, grabada en Italia en 1985. Como toda buena película de terror de los 80’s, los efectos especiales en Dolls dejan mucho que desear, empero, para todos aquellos que al igual que Homero gritan despavoridos con sólo escuchar la frase “títeres de trapo”, esta cinta resultará ser toda una experiencia aterradora.

5.- Pinocchio’s Revenge: Sí, sí, todos conocemos a Chucky, el “muñeco diabólico” por antonomasia, pero pocos conocen la terrible historia detrás de la película de La venganza de Pinocho. Dirigida por Kevin Tenney en 1996, esta es un largometraje que ocasionará pesadillas a grandes y a chicos, comenzando por el espeluznante muñeco protagonista de la historia.

¿Y ustedes, cuántas películas de estas recomendaciones ya conocían?

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A propósito del Día Internacional de la Paz

Cada veintiuno de septiembre desde 1982 la Organización de las Naciones Unidas propusieron celebrar el Día Internacional de la Paz, en el que se pretende, mediante la sensibilización sobre la diversidad del mundo y de todos los temas relacionados con la paz, que tengamos un día de no violencia, pero: ¿qué es la paz? Según … Leer Más A propósito del Día Internacional de la Paz

“Fotografía, muerte y nostalgia”

Siempre han recurrido a mí, desde pequeño, ciertas imágenes que me han llenado de nostalgia y melancolía; probablemente a ustedes también les ocurra o por lo menos les haya pasado en una ocasión. Algún estanque desolado en medio de una lejana foresta; un atardecer en una ciudad desconocida; una calle llena de hojas muertas de … Leer Más “Fotografía, muerte y nostalgia”

“Interstella 5555: música (y cine) ligada a tus recuerdos”

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